GRUPO1. LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA EN EL RENACIMIENTO.

Hola a todos!!!

Nuestra aportación al trabajito que nos ha propuesto Pepe, y que teníamos que incluir hoy en su blog, sobre la música en el Renacimiento, y centrándonos en nuestro tema es el siguiente. No os olvidéis que es muy importante opinar.

Después de leer la introducción que nos ha hecho, creemos oportuno introducir el tema de la Música en el Renacimiento antes de proponer aquellos materiales que nos hemos encontrado por la red. Bueno hay un montón. Seleccionamos.

El término Renacimiento, surge para denominar las manifestaciones artísticas de los siglos XV y XVI que buscan los ideales de belleza y proporción inspirándose en el antiguo arte clásico, griego y romano.

La época del Renacimiento comprende entre los años 1452 y 1600 (siglos XV y XVI). Surgió en los Países Bajos, Italia fue la pionera de este gran movimiento humanista que se inicia en Florencia y después pasa a Roma, finalmente, pasando por el resto de Europa.

La corriente del pensamiento en torno a la cual gira el Renacimiento se conoce con el nombre de Humanismo y se caracteriza por considerar al hombre como el centro del universo. Su referente es la cultura clásica griega y romana, rechaza las formas medievales y tiene una visión optimista del hombre y la naturaleza.

También durante el Renacimiento tiene lugar un gran avance de las ciencias experimentales, se producen progresos en medicina, se inventan la brújula y la imprenta, aparecen nuevas concepciones en astronomía y se realizan descubrimientos geográficos muy importantes, como el de América en 1492.

En el siglo XVI tiene lugar el Cisma de Occidente, en el que los partidarios de la doctrina de Martín Lutero se separan de la Iglesia Católica para constituir la que se conoce como Iglesia Protestante. Sin embargo, en el ámbito música, tanto una como otra utilizan la música como un medio para dirigirse a Dios.

Desde mediados del siglo XV hasta finales del siglo XVI se produce en Europa el Renacimiento.

Su corriente de pensamiento se llama Humanismo y su referente es la cultura clásica, griega y romana. Durante el Renacimiento tiene lugar un gran avance de las ciencias experimentales: se inventan la brujula y la imprentan y se realizan descubrimientos muy importantes.

El Renacimiento florece tanto en el arte como en la vida cotidiana. Es de origen italiano, los escritores y artistas rechazan la tradicion medieval y prefirieron tomar como modelo las ideas y obras del período clásico de Grecia y de Roma.

Influídas por todas estas novedades, se sentían más cercanos en ideas y mentalidad a los clasicos griegos y romanos que a sus abuelos medievales.

El hombre del Renacimiento se llamo así mismo “humanista” y consideraba el arte, literatura y música debían reflejar también sus problemas, sentimientos y aspiraciones abandonando el tema exclusivamente religioso.

LA MÚSICA VOCAL RELIGIOSA EN EL RENACIMIENTO

El Renacimiento es el período por excelencia de la polifonía vocal.

Los nuevos estilos compositivos polifónicos son: el cantus firmus, el contrapunto imitativo y la polifonía homofónica.

En la música vocal religiosa, la Iglesia Católica promueve el canto de las misas y los motetes a varias voces. Por su parte, la Iglesia protestante alemana reafirma el coral como obra importante para que sus fieles participen cantando en la liturgia.

Los compositores más destacados son: Orlando de Lassus, Tomás Luis de Victoria, Giovanni Pierluigi da Palestrina y Cristóbal de Morales.

ESCUCHAMOS:

Tomás Luis de Victoria (Ávila, h. 1548Madrid, 20 de agosto de 1611) fue un compositor, maestro de capilla y célebre polifonista del Renacimiento español. Se lo ha considerado uno de los compositores más relevantes y avanzados de su época, con un estilo innovador que anunció el inminente Barroco. Su influencia llega hasta el siglo XX, cuando fue tomado como modelo por los compositores del Cecilianismo.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (Palestrina, 1525 – Roma, 1594) fue un compositor italiano, de los más célebres del Renacimiento. De joven, formó parte del coro de la basílica romana de Santa María la Mayor. Posteriormente, fue organista en la catedral de su ciudad natal. Cuando el obispo de Palestrina accedió al trono papal con el nombre de Julio III, le nombró maestro del coro de la Cappella Giulia del Vaticano. Al año siguiente publicó su primer libro de misas. Un papa posterior, Paulo IV, lo destituyó de su cargo, según algunos por juzgar inapropiada su condición de casado, según otros por haber escrito madrigales, piezas de carácter profano.

En 1555 fue nombrado sucesor de Orlando di Lasso como maestro de capilla de San Juan de Letrán, donde en 1560 escribió sus Lamentaciones. Pasó con el mismo cargo a Santa María la Mayor en 1561, y en 1563 publicó su primer libro de motetes.

Palestrina se mostró siempre insatisfecho con las reformas de la liturgia sacra dictadas por el concilio de Trento, las cuales convirtieron en no canónicas a algunas de sus misas y otras obras tempranas, salpicadas de interposiciones profanas ajenas al texto oficial. Por este motivo dimitió de su cargo para pasar al servicio del cardenal Hipólito II de Este, que mantenía su propia capilla. Finalmente volvió a la dirección de la Cappella Giulia, donde terminó sus días en el cargo creado para él de «Compositor de la Capilla Papal».

Por otra parte, Palestrina es visto como el autor más representativo de obras polifónicas ajustadas a las nuevas exigencias de la Contrarreforma. Sus obras de esos años destacan por la claridad lograda, dejando la melodía en manos de la voz superior y ajustando con precisión el ritmo del discurso. Con razón, se considera con admiración la belleza lograda por Palestrina.

De sus 104 Misas, más de 70 están compuestas sobre el cantus firmus de melodías gregorianas. Quizás la mejor de ellas sea la Missa Papae Marcelli en la cual realiza una síntesis del estilo de sus predecesores y contemporáneos. De sus motetes son célebres, además de los Improperia, los 29 motetes sobre el texto del Cantar de los Cantares de Salomón. Está considerado como uno de los más eminentes autores de música religiosa católica.

Por último, añadimos el siguiente esquema que nos puede ayudar a clarificar este apartado:

http://www.slideshare.net/beatricc1999/renacimiento-vocal-religiosa

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TRABAJO DE INVESTIGACIÓN SOBRE LA MÚSICA EN EL RENACIMIENTO

Muy buenas a todos!!!

Como comentamos en clase vamos a realizar un trabajo conjunto de investigación sobre la música en el Renacimiento. Ya os pasé las indicaciones sobre como publicar en el blog vuestras aportaciones.

Ya sabéis que debéis formar cuatro grupos (clase de 3º ESO A). Cada grupo trabajará y publicará lo siguiente:

– Grupo 1: La música vocal religiosa del Renacimiento. Compositores.

– Grupo 2: La música vocal profana del Renacimiento. Compositores.

– Grupo 3: La música instrumental del Renacimiento. Compositores.

– Grupo 4: La danza en el Renacimiento. Compositores.

Es muy importante que  pongáis mucha atención en el trabajo publicado, las lecturas recomendadas y los comentarios que hagáis a vuestros comentarios tal como os indico en la orientaciones que entregué y comenté en clase.

Os invito a leer, ver y escuchar los siguientes archivos para que os hagáis una idea del trabajo. Prestad atención al pdf publicado por el departamento de música del IES Ciudad Jardín de Sevilla. Gracias a sus profesores por este magnífico material.

La Música en el Renacimiento 3º ESO

Si lo deseáis podéis visualizar la siguiente presentación sobre el Renacimiento del profesor Francisco Javier Sariot Marquita. Una valiosa presentación del Renacimiento y de su música.

Por último, dos ejemplos para ir haciendo oído y renacentista:

El tema ‘Hoy comamos y bebamos’ de Juan del Encina:

… Y el tema Greensleeves por Jordi Savall:

Todo está preparado. Comenzamos!!!

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GUÍA. LA FIDELIDAD DE LAS FUENTES. Estilo Clásico o Galante.

Según estimaciones de organismos que estudian la evolución de la Web, aproximadamente 3300 millones de páginas web, conteniendo más de 1 billón y medio de palabras, conforman un espacio sólo comparable a la famosa “biblioteca total ” que alguna vez pensara Jorge Luis Borges  en “El jardín de los senderos que se bifurcan” . Internet es, en los tiempos modernos, lo que la Biblioteca de Alejandría  fue en la Antigüedad. 

mundo_internet

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UNIDAD 7. EL IMPRESIONISMO MUSICAL I. CLAUDE DEBBUSY.

Presento el material necesario para el desarrollo de la primera parte de la unidad sobre el Impresionismo Musical.

1. Interesante presentación sobre el Impresionismo Musical alojada en Slideshare. Está realizada por el profesor Juan Moreno del IES la Rábida (Huelva). Gracias por este aporte.

Presentación: EL IMPRESIONISMO MUSICAL

2. No olvidemos la relación de conceptos que necesitamos para esta unidad y el resto del curso.

Formas y Términos musicales: FORMAS y TÉRMINOS MUSICALES. PAU.

3. Para el análisis de la obra de Claude Debussy  Prélude à l’après-midi d’un faune (1892) de Claude Debbusy, presento los siguientes materiales:

VIDEO: 

PARTITURA: PRELUDIO A LA SIESTA DE UN FAUNO (C. DEBUSSY)

AUDICIÓN:

4. Por último, añado ejemplos de lo que podrían ser los trabajos y exámenes de los alumnos:

EJERCICIO: CUESTIONARIO DE AUDICIÓN

EXAMEN: EJEMPLO DE EXAMEN DE ANÁLISIS MUSICAL II. PAU

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COMPARTIR Y ALMACENAR VIDEOS CON VIMEO

Os hago una pequeña presentación sobre la herramienta VIMEO para la publicación y el almacenamiento de los vídeos necesarios para el trabajo de ampliación y estudio de los recursos musicales necesarios para el desarrollo de las distintas unidades didácticas del curso.

Vimeo es una red social de internet basada en vídeos, lanzada en noviembre de 2004 por la compañía InterActiveCorp (IAC). El sitio permite compartir y almacenar videos digitales para que los usuarios comenten en la página de cada uno de ellos. Los usuarios deben estar registrados para subir videos, crear su perfil, cargar avatares, comentar y armar listas de favoritos.

Vimeo no admite comerciales de televisión, demostraciones de videojuegos, pornografía o cualquier contenido que no haya sido creado por el usuario. El sitio, además, ha ganado reputación como «proveedor de imágenes» para diversos artistas, debido a la alta tasa de bits y resolución de sus videos. Desde octubre de 2007, Vimeo ofrece una opción para vídeos de alta definición.

BREVE EXPLICACIÓN DE CÓMO SUBIR UN VÍDEO

El proceso para subir un vídeo a vimeo es muy sencillo e intuitivo. El único problema puede aparecer es que todo está en inglés. Es necesario estar registrado en Vimeo. Vemos claramente en el menú la opción para subir vídeo, UPLOAD.
Escogemos el vídeo que vamos a subir. Vimeo permite los principales formatos de vídeo. Las únicas características (SETTINGS) que vas a cambiar del vídeo son las siguientes:
– Basic info:
El título (TITLE) es el título de nuestro vídeo. En la descripción (DESCRIPTION) para intentar evitar los problemas con los derechos de autor escribiremos la siguiente frase: Todos los derechos de la canción, video y fotografías pertenecen a sus autores. Si es un vídeo elaborado por nosotros, sencillamente describimos sencillamente su contenido o la unidad didáctica para el que vayamos a utilizarlo. En TAGS incluimos aquellas palabras o grupos de palabras, separadas por comas, que nos van a permitir localizar el video. Completaremos esta localización en la dirección URL.
THUMBNAIL, nos referimos a la imagen que aparece como vista previa del vídeo. Puedes poner la que tú quieras. Una vez que el video está subido puedes incrustarlo en nuestro blog de clase.
Concretamente utilizaremos esta herramienta para compartir y almacenar los vídeos necesarios para el desarrollo de las distintas unidades didácticas. Como ejemplo incluyo uno de los vídeos que utilizaremos en la explicación, desarrollo,  profundización y estudio de las audiciones que se desarrollarán en la asignatura de ANÁLISIS MUSICAL II correspondiente al curso de 2º BACH de ARTES ESCÉNICAS, MÚSICA Y DANZA. El trabajo de cada audición se complementará con la visualización de uno de estos vídeos que previamente se han almacenado en mi cuenta de Vimeo. El alumno puede así ver la obra en su conjunto y solucionar las dificultades del análisis formal, armónico y melódico de una obra para orquesta con una extensión media.
Se trata de la obra de Claude Debbusy, Prélude à l’après-midi d’un faune, conocido comúnmente bajo su título en español Preludio a la siesta de un fauno, es un poema sinfónico para orquesta de aproximadamente 10 minutos de duración. Su estreno tuvo lugar en París el 22 de diciembre de 1894, bajo la dirección de Gustave Doret. Nos encontramos pues en el Impresionismo musical. Junto con Maurice Ravel, fue una de las figuras más prominentes de la música impresionista, aunque al propio compositor no le gustaba este término cuando se aplicaba a sus composiciones. Debussy es uno de los más importantes compositores franceses y una figura central en la música europea de finales del siglo xix y comienzos del siglo xx. Fue nombrado Caballero de la Legión de Honor en 1903.
La enseñanza de la asignatura de Análisis Musical II les permita a los alumnos desarrollar las siguientes capacidades: 
  • Percibir, a través de la audición, los elementos y procedimientos que configuran una obra musical y captar la diversidad de recursos y rasgos esenciales que contiene.
  • Comprender la organización del discurso musical, observando los diferentes elementos y procedimientos que dan lugar a su estructuración: partes, secciones, materiales, texturas, armonía, melodía, ritmo, timbre, procesos de crecimiento y decrecimiento de tensión, puntos culminantes, cadencias, etc.
  • Conocer las principales formas musicales históricas o formas-tipo y su evolución, relacionarlas y comprender que el lenguaje musical, como el resto de los lenguajes, tiene unas normas que varían a través del tiempo y reciben influencias diversas que le hacen transformarse.
  • Reconocer las características de los principales estilos musicales: la armonía, la melodía, la textura, el ritmo, la instrumentación, la ornamentación, etc., y ser capaz de detectar algunas de estas características en obras pertenecientes a épocas o estilos distintos como reminiscencias del pasado.
  • Comprender la relación entre música y texto en las obras vocales o vocales e instrumentales en las diferentes épocas históricas.
  • Adquirir un léxico y una terminología adecuada para expresar y describir, de forma oral y escrita, los procesos analíticos asociados al estudio de obras y estilos musicales así como los procesos musicales, atendiendo no solo al componente objetivo de la música sino también al subjetivo, lo que percibe el oyente.
  • Comprender las diferencias y las relaciones entre obras relevantes correspondientes a diferentes épocas, estilos y compositores para mediante la escucha, aprehender los referentes sonoros.
  • Conocer las músicas de obras culturales, sus características, las sensaciones que provocan y la función que cumplen en su contexto histórico-social, aprender a valorarlas y comprender la influencia que han tenido en la música occidental a lo largo de la historia.
  • Utilizar el sentido crítico para valorar la calidad de las obras de diferentes épocas, estilos y géneros, basándose en la percepción de los elementos y procedimientos constructivos, juzgando con criterio, argumentando y exponiendo las opiniones con precisión terminológica.
  • Obtener información y ampliar conocimientos a través de diversas fuentes, incluidas las que ofrecen las tecnologías, para profundizar en el conocimiento de la música.
  • Valorar el silencio, medio en el que debe producirse la música, y ser conscientes de la responsabilidad individual que conlleva el crear un ambiente adecuado para la escucha, tanto de interpretaciones en directo como de grabaciones, etc.


Con esta actividad nuestros alumnos desarrollan las siguientes competencias básicas: Competencia para aprender a aprender, competencia en comunicación lingüística, competencia en el tratamiento de la información y competencia digital, competencia en cultura humanística y artística y la competencia para la autonomía e iniciativa personal.

El Impresionismo

– Estudio analítico de las características sonoras y estilísticas (acordes, procedimientos armónicos, cadencias, nuevo uso del modalismo, sonoridades…..), formas y géneros de la música impresionista. Principales autores y sus técnicas compositivas. Influencia de la música de otras culturas. Uso de la tímbrica y nuevo tratamiento de la orquesta.

EJERCICIO:

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EL SONIDO DEL MAR

ESCÚCHAME MAR…




Ahora me voy. Me voy

pero no te dejo

porque es imposible dejar el corazón

y llevarse tan solo el cuerpo…

Me voy hacia tierra adentro

pero llevo pegado a los costados

todo tu mundo abierto de promesas

que has dejado colgadas

de mi alma mensajera.

Y llevo tus olas y la furia

de tus vientos contrapuestos,

y la sangre de tus gentes laborantes

y de las gentes que se pierden

en tu frontera maldita.

Y llevo tu magia y tus misterios,

tus colores y el ronroneo incesante

de la música de tu cuerpo

cuando choca con el aire

o cuando besa las arenas soñadoras

de las playas recelosas.

Y llevo, sobre todo y más que nada,

llevo todas tus promesas

y todos tus silencios…

Te llevo, mi mar,

hacia donde la tierra

huele y sabe a materia prometida,

donde el viento choca con las rocas

y el agua no tiene salitre

ni peces, ni algas, ni cangrejos…

Pero te llevo hasta la próxima.

LUIS E. PRIETO

Playa de la Barrosa. Cádiz.

Agosto-2000

Para saber más

LO QUE HAN DICHO Y ESCRITO


“UN RELAJANTE PASEO POR EL TÁMESIS



Haendel compuso su “Música Acuática” para acompañar por el Támesis a Jorge I, sus invitados iban en barcazas descubiertas en las que subieron por el Támesis hasta Chelsea. El monarca iba en su barcaza, acompañado de cincuenta músicos que repitieron la pieza hasta tres veces.

Disfruta con la música de Haendel:

“VIAJE A ESCOCIA”


El mar fue siempre fuente de inspiración para Mendelsson. “Las Hébridas”, op. 26,  surgió tras un viaje a Escocia, en el que se inspiró para una obertura marina que puede considerarse una sinfonía en miniatura. Es un poema sinfónico compuesto por Felix Mendelssohn en 1830. Toma su sobrenombre de la Gruta de Fingal, en Staffa, una de las islas Hébridas, en la costa de Escocia.

La Gruta del Fingal (corte del inicio y final de la obra. Tema y Coda)

“A BORDO DE UN BARCO FANTASMA”



Wagner la concibió tras un accidentado viaje por el Báltico rumbo a Inglaterra; y está basada en la leyenda de un capitán que, por una apuesta, había salido de puerto el día de Viernes Santo mal que le pesara a Dios. Su actitud blasfema es castigada con su muerte y la de toda la tripulación, así como con la desaparición del buque, que reaparece en el cabo de Buena Esperanza, avistándose, siempre que hay tormenta, con su capitán al timón intentando sin éxito gobernar la nave, hasta el día del Juicio Final. Desde que se inicia la representación, la mayor parte de la acción transcurre sobre las aguas del mar, siempre presente a través de las canciones de los marineros, los bailes que evocan el bamboleo en la cubierta, y en el lenguaje de los intérpretes; hasta que en el último acto el barco fantasma es tragado por un enorme remolino, y el espíritu del holandés errante surge de los restos del naufragio, elevándose a lo alto del escenario.

Nos encontramos con el barco fantasma:

“UNA NOVIA EN CADA PUERTO”

Uno de los miles de casos de la compleja vida sentimental del marino, que busca una “novia en cada puerto” para percibir algo del calor del hogar lejano, es el eje sobre el que gira la ópera “Madame Butterfly” de Puccini.

Escuchamos esta gran voz en el puerto de la ópera:

“AMANECE, JUEGA Y DIALOGA”



“El mar” es posiblemente la pieza orquestal más importante de Claude Debussy, a la vez que la mas representativa del impresionismo musical. En el primer movimiento, “Del alba al mediodía en el mar”, pretende describir las mutaciones que van experimentándose a lo largo del día, como si el autor estuviera sumergido dentro de él. En el segundo movimiento, “Juego de las olas”, las aguas despiertan poco a poco, con un murmullo creciente que acabará en un potente rugido. Concluyendo la obra con el “Diálogo entre el viento y el mar”, en donde el océano se torna amenazador y nos declara que es eterno frente a nuestra existencia que, para él, solo representa un instante.

Disfruta. PDF con la partitura para orquesta de la primera parte: “Del alba al mediodía en el mar”


FUENTE:  Blog de D. Antonio Figueras. Profesor de Investigación del CSIC en Vigo. Artículo publicado el 27 de octubre de 2007. Para saber más

UNA IMAGEN VALE MÁS QUE MIL PALABRAS

Hokusai es una de las principales figuras de la escuelaUkiyo-e, un genio con una fascinación casi obsesiva hacia el Monte Fuji, al que dedica su gran obra maestra, la serie de “36 vistas del Monte Fuji”

La pintura y el grabado japonés siempre nos han ofrecido una visión diferente, casi mística, de los fenómenos naturales. La ola es aquí mucho más que una mera circunstancia oceánica: es un monstruo, un gigantesco leviatán que amenaza con sus colmillos a las ágiles y audaces barcas que cruzan, flexibles, el mar. La terrible garra del océano es tan poderosa que parece ir a devorar incluso al sagrado monte Fuji, que se nos presenta al fondo como una víctima más de la demoníaca ola.

Texto: G. Fernández, http://www.theartwolf.com

Considerada como la estampa japonesa más famosa. La gran ola de Kanagawa influyó en grandes obras: en la pintura a obras de Claude Monet,en la música a La Mer de Claude Debussy y en la literatura a Der Berg de Rainer Maria Rilke.

PDF sobre ‘la Ola’ de Hokusai y ‘La Mer’ de Debbusy

EL MAR NOS CUENTA  LO QUE SUCEDIÓ

ALFONSINA Y EL MAR


Alfonsina y el mar es una zamba compuesta por los argentinos Ariel Ramírez y Félix Luna, publicada por primera vez en el disco de Mercedes Sosa Mujeres argentinas, de 1969. La canción es un homenaje a la poetisa de la misma nacionalidad Alfonsina Storni, que se suicidó en 1938 en el Mar del Plata, saltando al agua desde una escollera, aunque, según la canción, se internó lentamente en el mar.

Aunque Ariel Ramírez no conoció directamente a la poetisa, ésta fue alumna del padre de Ariel, Zenón Ramírez, que trasmitió a su hijo el drama de Storni. Impresionado por estos recuerdos y por las poesías de Storni, que le trajo Luna, Ramírez compuso la música, y Luna aportó después la letra.

Es una canción muy popular en todo el mundo hispanoparlante, que ha sido interpretada por varios cantantes de renombre, entre los que destacan la cantora Mercedes Sosa, el italiano Franco Simone, el tenor Alfredo Kraus, la peruana Tania Libertad, Ginamaría Hidalgo, Andrés Calamaro, Antonio Machín, la griega Nana Mouskouri, la portuguesa Cristina Branco o los españoles Pasión Vega, acompañada del tenor José Carreras, y Paloma San Basilio. Otros de los que también han interpretado este célebre tema son Plácido Domingo, Los Panchos,Manuel Mijares, Miguel Bosé, Vicente Fernández, Lucho Gatica, María Jiménez, Shakira, Danny Rivera, Lucecita Benítez, Celeste Carballo, Lara Fabian, Patricia Sosa, Chabuca Granda,Ainhoa Arteta, Luis Salinas Gema, Pedro Guerra, Corredera, Lila Morillo, el Maestro Jesús Sevillano, el contrabajista de jazz Avishai Cohen, el violonchelista francés Didier Petit en su disco Don’t Explain, Silvia Iriondo e Inti Illimani Historico acompañado de la cantante Nicole .

Alfonsina Y El Mar

Compositor : Ariel Ramirez / Felix Luna

Por la blanda arena
Que lame el mar
Su pequeña huella
No vuelve más
Un sendero solo
De pena y silencio llegó
Hasta el agua profunda
Un sendero solo
De penas mudas llegó
Hasta la espuma.

Sabe Dios qué angustia
Te acompañó
Qué dolores viejos
Calló tu voz
Para recostarte
Arrullada en el canto
De las caracolas marinas
La canción que canta
En el fondo oscuro del mar
La caracola.

Te vas Alfonsina
Con tu soledad
¿Qué poemas nuevos
Fuíste a buscar?
Una voz antigüa
De viento y de sal
Te requiebra el alma
Y la está llevando
Y te vas hacia allá
Como en sueños
Dormida, Alfonsina
Vestida de mar.

Cinco sirenitas
Te llevarán
Por caminos de algas
Y de coral
Y fosforescentes
Caballos marinos harán
Una ronda a tu lado
Y los habitantes
Del agua van a jugar
Pronto a tu lado.

Bájame la lámpara
Un poco más
Déjame que duerma
Nodriza, en paz
Y si llama él
No le digas que estoy
Dile que Alfonsina no vuelve
Y si llama él
No le digas nunca que estoy
Di que me he ido.

Te vas Alfonsina
Con tu soledad
¿Qué poemas nuevos
Fueste a buscar?
Una voz antigua
De viento y de sal
Te requiebra el alma
Y la está llevando
Y te vas hacia allá
Como en sueños
Dormida, Alfonsina
Vestida de mar.


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LA TORMENTA

La Sinfonía n.º 6 en fa mayor, Opus 68Pastoral” fue terminada por Ludwig van Beethoven en 1808. Es una de las pocas obras de música programática de Beethoven, y el compositor la subtituló Recuerdos de la vida campestre.

La Sexta significó un paso más en el desarrollo de la música programática, que desembocaría por último en la aparición del poema sinfónico por Franz Liszt. Este proceso culminaría a finales del siglo XIX en los extraordinarios poemas sinfónicos de Richard Strauss y en sus sinfonías programáticas, especialmente en la estruendosa y lírica a la vez Sinfonía Alpina.

En 1940, Walt Disney incorporó está sinfonía en su famosa película de animación Fantasía. Para muchos críticos, la incorporación de imágenes y personajes mitológicos (cupidosalados, pegasos, unicornios, faunos…) fue simplemente ridícula. Pero quizá este hecho anecdótico aumentó aún más la fama de la obra.

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